The Box of People (2015)
       
     
Magnified Scenes (2015)
       
     
Crossing (2013)
       
     
The Glass Between Us (2019)
       
     
Blue Space (2018)
       
     
Blue Space (2018)
       
     
Blue Space (2018)
       
     
The Inverted Staircase (2019)
       
     
Rubber Coated Steel (2016)
       
     
Raqeeb wa-’Ateed (The Sentinels) (2019)
       
     
Raqeeb wa-’Ateed (The Sentinels) (2019)
       
     
AL-MARS (2019)
       
     
Mount of Mercy (2012)
       
     
Mount of Mercy (2012)
       
     
Mount of Mercy (2012)
       
     
Urban Flow (2007-2018)
       
     
Sukoon (2019)
       
     
Provision for a Time (2019)
       
     
RE- (2019)
       
     
RE- (2019)
       
     
Step (2018)
       
     
Novel of Youth (2019)
       
     
Novel of Youth (2019)
       
     
Twelve PM Class (2019)
       
     
Hanging Lights  (2019)
       
     
Hanging Lights  (2019)
       
     
Hero (from the Series BLACKENED) (2017)
       
     
I Was Told Ice Wouldn't Melt In Heat (2019)
       
     
F716 (2016)
       
     
The Box of People (2015)
       
     
The Box of People (2015)

Faisal Samra

Born 1956

Lives and works in Dammam, Saudi Arabia

The Box of People (2015)

10 boxes with paper, permanent marker, wood, oil paint, plexiglass and magnifying glass

23 x 17 x 12 cm

Faisal Samra is a Bahraini visual artist who graduated from the École Nationale Supérieure des Beaux-Arts in Paris. His vast œuvre dealing with themes such as the critique of visual culture, mass media and manipulation, include works collected by national museums and institutions such as the British Museum in London, Darat Al Funun in Amman, and the Institut du Monde Arabe in Paris.


An energetic mass formed by people is always brought about through a positive or negative energy. This energy controls and attracts people toward a specific movement, causing them to shape a “mass form” in relation to time and space. This type of impactful energy can be generated from several sources, such as fire, wind, water, cold and heat, as well as human behaviour and emotion such as fear, love, hate, curiosity, elation and spite.


In these works, Samra takes an interest in the constructive element of the so-called mass form, here, the individual. What is this constructive element, and to what extent can it change and affect the mass form? A center of energy which controls the mass form produces either attraction or rejection, thus giving the mass form its shape. But how does the mass form interact with the space it occupies? And finally, what are the effects of different mass forms on the visual and the conceptual, starting from a mass of only one element (such as the individual), to a mass consisting of infinite units? Using a blend of photography, video and sketch drawings as a means of allowing both the conscious and the subconscious manifest themselves, interact and mingle, Samra attempts to capture the particularity of each element in the mass form.


The Box of People also dissects the tension in time with an awareness that the moment following the captured isolated moment in an art work will, if the elements move, generate a new mass form in constant change, resulting new visual and conceptual frameworks at every moment. The tension resulting from the loss of each singular moment, in its temporary and vanishing quality, constitutes the dialectic between humans and time.

فيصل سمرا

مواليد ١٩٥٦

يعمل ويعيش في الدمام، المملكة العربية السعودية

صندوق الناس ٢٠١٥

عشرة صناديق، ورق، أحبار دائمة، خشب، ألوان زيتية، زجاج أكريليك وعدسات مكبرة

١٢ في ١٧ في ٢٣ سم

فيصل سمرا هو فنان بصري بحريني، تخرج من المدرسة الوطنية للفنون الجميلة في باريس. وهو يهتم بقضايا نقد الثقافة البصرية ووسائل الإعلام والمعالجات المتقنة، وعرضت أعماله في عدد من المتاحف والمؤسسات الوطنية في أماكن كثيرة حول العالم من بينها المتحف البريطاني في لندن، والمتحف الوطني البحريني في المنامة، ودارة الفنون في عمّان، ومعهد العالم العربي في باريس

إن جمعاً حيوياً من البشر لابد وأن يمر من خلال طاقة إيجابية أو سلبية، تلك الطاقة التي تتحكم وتدفع البشر للحركة على نحو ما، ليشكّلوا في حركتهم "قالبا جمعياً" بالنسبة للزمن والفراغ. وتلك الطاقة التأثيرية قد تنشأ عن مصادر متعددة كالنار والرياح والمياه والبرد والحرارة، وكذلك السلوك الإنساني والعواطف كالخوف والحب والكراهية والفضول والغبطة والحقد

يهتم سمرا في أعماله بالعنصر البنّاء فيما يسمى بـ "القالب الجمعي"، ويعني هنا الإنسان الفرد. ما هو هذا العنصر البنّاء؟ وإلى أي مدى يمكنه تغيير والتأثير على القالب الجمعي؟ فمركز الطاقة الذي يحرّك المجموع ينشأ طاقة جذب أو طرد، وهو ما يعطي شكلاً للقالب الجمعي. ولكن كيف يتفاعل القالب الجمعي مع الفراغ الذي يشغله؟ ونهايةً، ما هو تأثير عدد من القوالب الجمعية على كل ما هو بصري ومفاهيمي، بدءاً من عنصر واحد (مثل الفرد)، وانتهاءاً بجمع يتكون من عدد لانهائي من الوحدات؟ يحاول سمرا باستخدامه مزيجاً من الفوتوغرافيا والفيديو والاسكتشات كوسائل لإتاحة الفرصة للوعي وما وراء الوعي للإفصاح عن نفسهما والتفاعل مع بعضهما البعض، يحاول التقاط خصوصية كل عنصر داخل القالب الجمعي


يشرح صندوق الناس كذلك التوتر داخل وحدة الزمن استعانةً بمعرفة اللحظة التي تتبع لحظة أخرى معزولة في قالب جمعي ما في إرادة عمل فني، إذا ما كانت العناصر تتحرك، والتي تولّد قالبا جمعياً جديداً في حالة تغيير مستمر، ينتج إطارا بصرياً ومفاهيمياً جديداً في كل لحظة. فالتوتر الناتج عن فقدان كل لحظة مفردة، في طبيعتها المؤقتة والزائلة، هو ما يخلق الجدلية بين الإنسان والزمن

Magnified Scenes (2015)
       
     
Magnified Scenes (2015)

Faisal Samra

Born 1956

Lives and works in Dammam, Saudi Arabia


Magnified Scenes (2015)

Felt tip, wood, oil paint, mirror, plexiglass and magnifying lens

23 x 16 x 7 cm

فيصل سمرا

مشاهد مكبّرة ٢٠١٥

أقلام تلوين، خشب، ألوان زيتية، مرآة، زجاج أكريليك وعدسات مكبرة

٧ في ١٦ في ٢٣ سم

Crossing (2013)
       
     
Crossing (2013)

Jaffar AlOraibi

Born 1976

Lives and works in Manama, Bahrain

Crossing (2013)

Oil on canvas

241 x 186 cm

Jaffar AlOraibi’s paintings represent an introspective inquiry into the role of the individual in society. He is interested in social understandings of the concept of masculinity and the role played by men in contemporary society. Many of his works use animal imagery as a reference to human characteristics and behaviours, highlighting the tension between the self and the other, as well as the feeling of alienation between the individual and the collective.

Crossing is an attempt to change the dominant or prevailing view of what is static and what is flowing. Using the concepts of time and space and presenting them as ever-changing elements, Jaffar AlOraibi borrows the notion of human consciousness, or the human element, to stage an unusual ideology seemingly contradictory to the traditional views that produce the general zeitgeist of a society.

AlOraibi seeks to create a sense of imbalance and disjunction in what is thought of as normal and prevailing. He does this by addressing normalcy, portraying it with a sharp and direct clarity, opening a space for doubt in various readings that do not lead to answers as much as they give opportunity to read truths in new ways, opposed, in an interpretational sense, to the expected reactions to the social concepts that have taken certain directions or others in an inherited way.

جعفر العريبي

مواليد ١٩٧٦

يعمل ويعيش في المنامة، البحرين

تجاوز ٢٠١٣

زيت على قماش

١٨٦ في ٢٤١ سم

تجسد رسومات جعفر العريبي تساؤل حول دور الفرد في المجتمع، فهو مهتم بالإدراك الاجتماعي لمفهوم الذكورة والدور الذي يلعبه الرجل في المجتمع المعاصر. ويستخدم العريبي الكثير من صور الحيوانات في أعماله تعبيراً عن الخصائص البشرية والسلوك البشري كأسلوب لتسليط الضوء على التوتر بين الذات والآخر، وكذلك على إحساس الغربة بين الفرد والمجموع

تجاوز هو محاولة لتغيير النظرة السائدة والمسيطرة عن الساكن والمتدفق، ويستعير جعفر العريبي مفهوم الوعي الإنساني أو العنصر البشري باستخدام مفهومي الزمان والمكان، مقدماً إياهم كعناصر متغيرة باستمرار، كي يجسد أيديولوجية تبدو متناقضة مع التصورات التقليدية التي تنتج روحاً سائدة في المجتمع

يسعى العريبي لخلق إحساس بعدم التوازن والانفصال عما يراه الجميع طبيعياً وسائداً. ويتوصل إلى ذلك من خلال معالجة الحياة الطبيعية، وتصويرها بوضوح حاد ومباشر، بحيث يفتح مساحات للشك في عدد من القراءات التي لا تقود إلى أجوبة بقدر ما تتيح الفرصة لقراءة أكثر من حقيقة واحدة من عدة زوايا جديدة، على عكس ردود الفعل المتوقعة والسائدة، للمفاهيم الاجتماعية التي تأخذ توجهاتها اعتماداً على الموروث فحسب

The Glass Between Us (2019)
       
     
The Glass Between Us (2019)

Mohammed Al Faraj

Born 1993

Lives and works in the Eastern Province, Saudi Arabia

The Glass Between Us (2019)

Video installation

5 minutes

Courtesy of the artist and Athr Gallery, Jeddah

Mohammed Al Faraj works with film and photography to create immersive and powerful video installations dealing with subjects such as identity, youth, environment and the relationship between humans and nature. His debut video work The Sun, Again was exhibited as part of Jeddah Art Week in 2017. He has also exhibited his work Sophia at Athr Gallery as part of the The Clock Strikes Thirteen exhibition in 2018. Turning to a more research-based practice as of recent,, Al Faraj has developed an interest in themes surrounding the relationship between species, coexistence and the changing world, looking into how these affect humans and other species on this planet.

If we look long and intently enough at the passing moment as though we were experiencing it for the first time, would this enable us to see the unusual and to go beyond the moment itself, so that a metaphorical idea behind it reveals itself to us? To record with a steady camera and to study it as though we were looking through a glass that separates us from what we are experiencing? Would it be like a glass between us and nature and what lies beyond it, allowing us to put our present moment under the microscope?

Different scenes from everyday life in many cities, pictured in a static or fixed way, or in a non-static, moving way. You notice the presence of people in their spaces and their immersion in the moment... what the moment of observation and recognition reveals and what it does not. These scenes are connected by visual and auditory themes, leaving a space to stimulate sensations and emotions, and an attempt to cross over with them from one area, one moment, to another.


محمد الفرج

مواليد ١٩٩٣

يعمل ويعيش في المنطقة الشرقية، المملكة العربية السعودية

الزجاج الذي بيننا ٢٠١٩

عمل فيديو مركب

٥ دقائق

حقوق ملكية العمل للفنان وجاليري أثر، جدة

يعمل محمد الفرج في مجال الأفلام والتصوير لصناعة أعمال فيديو مركبة قوية وغامرة تطرح موضوعات الهوية، الشباب، المكان، البيئة والعلاقة بين الإنسان والطبيعة. وقد عرض عمله الأول الشمس، مرة أخرى كجزء من أسبوع جدة الفني عام ٢٠١٧. كذلك عرض عمله صوفيا في أثر جاليري كجزء من معرض تدق الساعة الثالثة عشر عام ٢٠١٨. طوّر الفرج مؤخراً اهتماماً بقضايا مثل العلاقة بين أنواع الكائنات والتعايش والتغير في العالم وأثره على الجنس البشري وسائر أنواع الكائنات على الكوكب، متحولاً إلى ممارسات تميل أكثر إلى البحث العلمي

لو حدقنا طويلاً وبعين فاحصة في اللحظة الاعتيادية العابرة، كما لو كنا نراها لأول مرة، فهل سنتمكن من رؤية غيرالاعتيادي، أو ما وراء اللحظة؟ هل تكشف حينئذ فكرة الماورائية أو أي فكرة اجتماعية كانت أو اقتصادية نفسها لنا حينما نسجل اللحظة بكاميرا ثابتة، وندرسها كما لو كنا ننظر من خلال زجاج يفصل بيننا وبين ما حدث وما يحدث، بيننا وبين الطبيعة، وما ورائها؟ هل يتيح لنا ذلك الزجاج بيننا وبين الطبيعة وما ورائها أن نضع لحظتنا الراهنة تحت المجهر؟

هي مشاهد مختلفة من الحياة اليومية في مدن عديدة، مصورة بطريقة ثابتة أو متحركة، تلاحظ وجود الناس في مساحاتهم وانغماسهم في اللحظة وما يمكن أن يكشفه أو لا يكشفه زمن الملاحظة. يربط بين تلك المشاهد ألحان بصرية وصوتية، تاركة المساحة لتحفيز الأحاسيس ومحاولة العبور بها من منطقة ولحظة لأخرى

Blue Space (2018)
       
     
Blue Space (2018)

Hussein Al Mohsen

Born 1971

Lives and works in Al Qatif, Saudi Arabia

Blue Space (2018)

Acrylic on linen

150 x 120 cm

Hussein Al Mohsen has been active as an artist in the Gulf region since the late 1990’s. He is deeply influenced by Arabic poetry and music, as well as his personal journey where modern spaces and personal freedoms intersect with his humorous observations of reality in the Middle East. He is particularly interested in a meditation on the significance of colours and the different connotations associated with them.

Blue Space is an attempt to reach beyond reality, and a visual journey for the viewer through the blue space on the canvas. Paying homage to the Syrian poet, essayist and translator Adonis (b. 1930), Blue Space is a visual narration inspired by poetry and colour, with an interest in exploring the relationship between cerebral experiences evoked by poetic language and how they can be translated into colourful space. Texture and vibrant colours transform the artist’s personal interpretation of poetic rhythm. Abstracting poetic language, the work results in a palpable and tangible geographic landscape of ridges, crevices, shadows and light that express the artist’s thoughts about peace and the love of humanity in a new, colourful way of seeing.

I must travel to a paradise of ashes,

walk among its hidden trees.

In ash, myths, diamonds, and golden fleece.

I must travel through hunger, through roses, toward harvest.

I must travel, must rest

under the bow of orphaned lips.

On orphaned lips, in their wounded shade

the flower of that old alchemy

Flower of Alchemy by Adonis, 1966

Translated by Khaled Mattawa (Adonis, Selected Poems. Yale University Press, 2010)

حسين المحسن

مواليد ١٩٧١

يعمل ويعيش في القطيف، المملكة العربية السعودية

المساحة الزرقاء ٢٠١٨

ألوان أكريليك على قماش

١٢٠ في ١٥٠ سم

حسين المحسن هو فنان نشط في منطقة الخليج منذ نهاية التسعينات من القرن الماضي، وهو متأثر بشدة بالشعر العربي والموسيقى العربية، وكذلك برحلته الشخصية، حيث تتقاطع الأماكن الحديثة والحريات الخاصة مع مشاهداته المرحة للواقع في الشرق الأوسط. يهتم المحسن تحديداً بالتأمل حول أهمية الألوان والدلالات المرتبطة بها

فضاء أزرق هو محاولة للوصول إلى ما وراء الواقع ورحلة بصرية للمشاهد عبر مساحة زرقاء على القماش. وبينما يحتفي فضاء أزرق بالشاعر والكاتب والمترجم السوري أدونيس (مواليد ١٩٣٠)، يطرح سردية بصرية تستلهم الشعر واللون، مع الاهتمام باستكشاف العلاقة بين التجربة العقلية التي تثيرها اللغة الشعرية، وإمكانية ترجمتها إلى مساحة لونية. فالنسيج والألوان النابضة بالحياة إنما تنقل ترجمة الفنان الشخصية للإيقاع الشعري. وبتجريد اللغة الشعرية، فإن العمل يتحول إلى مشهد جغرافي واضح وملموس من التلال والشقوق والظلال والضوء، يعبّر عن أفكار الفنان حول السلام والحب للإنسانية بطريقة ملونة جديدة لرؤية الأشياء

ينبغي أن أسافرَ في جنّةِ الرّمادْ

بين أشجارها الخَفيّهْ

في الرّمادِ الأساطيرُ والماسُ والجُزَّةُ الذّهبيّهْ.

ينبغي أن أسافرَ في الجوع, في الوَرِد, نحو الحصادْ

ينبغي أن أسافرَ, أن أستريحْ

تحت قوسِ الشّفاهِ اليتيمَهْ،

في الشّفاهِ اليتيمَةِ في ظِلّها الجَريحْ

زَهرةُ الكيمياءِ القديمَهْ

زهرة الكيمياء لأدونيس، ١٩٦٦

Blue Space (2018)
       
     
Blue Space (2018)

Hussein Al Mohsen

Born 1971

Lives and works in Al Qatif, Saudi Arabia

Blue Space (2018)

Acrylic on linen

150 x 120 cm

حسين المحسن

مواليد ١٩٧١

يعمل ويعيش في القطيف، المملكة العربية السعودية

المساحة الزرقاء ٢٠١٨

ألوان أكريليك على قماش

١٢٠ في ١٥٠ سم

Blue Space (2018)
       
     
Blue Space (2018)

Hussein Al Mohsen

Born 1971

Lives and works in Al Qatif, Saudi Arabia

Blue Space (2018)

Acrylic on linen

150 x 120 cm

حسين المحسن

مواليد ١٩٧١

يعمل ويعيش في القطيف، المملكة العربية السعودية

المساحة الزرقاء ٢٠١٨

ألوان أكريليك على قماش

١٢٠ في ١٥٠ سم

The Inverted Staircase (2019)
       
     
The Inverted Staircase (2019)

Bakr Sheikhoon

Born 1946

Lives and works in Jeddah, Saudi Arabia

The Inverted Staircase (2019)

Installation with steel, glass, aluminum and Corian

3 x 3 x 4.5 m

Bakr Sheikhoon’s artistic career began with local collaborations in Jeddah in the late 1960’ during the changes taking place in the Arab visual art scene at the time, in which he played a significant role. Sheikhoon graduated from the Art Education Institute in Riyadh in 1969, and later studied art in Italy, returning in 1980. He has exhibited concept-based works in various international exhibitions including the Sharjah Biennale and the Cairo Biennale.


Sheikhoon is interested in the search for beauty in his surroundings, creating works that attempt to formulate his own ideas for living within his environment while building something deeper and more meaningful than merely depicting the superficial forms of things. With this interest in the search for beauty, concepts, language and space, he presented a dialogue and study of space by redefining notions of perspective in his work The Inverted Staircase, which he first conceptualized in 2000.

بكر شيخون

مواليد ١٩٤٦

يعمل ويعيش في جدة، المملكة العربية السعودية

السلم المقلوب ٢٠١٩

عمل مركب من الصلب والزجاج والألومنيوم والكوريان

٤.٥ في ٣ في ٣ متر

بدأ بكر شيخون مشواره الفني بالمشاركة في نطاق الفن المحلي بمدينة جدة نهاية الستينات من القرن الماضي، أثناء التغييرات التي حدثت للمشهد الفني التشكيلي العربي في ذلك الوقت، حيث لعب شيخون فيه دورا هاماً. تخرج شيخون من معهد التربية الفنية بالرياض عام ١٩٦٩، ثم سافر إلى إيطاليا لدراسة الفن في إيطاليا، ليعود عام ١٩٨٠. شارك بأعمال مفاهيمية في عدد من المعارض الدولية حول العالم، بما في ذلك بينالي الشارقة وبينالي القاهرة

يهتم شيخون بالبحث عن الجمال في محيطه، ويبدع أعمالاً تحاول صياغة أفكاره للحياة داخل البيئة المحيطة، في نفس الوقت الذي يحاول فيه البحث عن شيء أعمق من مجرد التعبير عن الانطباع السطحي للأشياء. وقد قدم في خضم بحثه واهتمامه بالجمال والمفهوم واللغة والفراغ حوارا ودراسة عن الفراغ من خلال إعادة تعريف المنظور، وهو ما يقدمه هنا في عمله السلم المقلوب، الذي قام بإبداعه أول مرة عام ٢٠٠٠

Rubber Coated Steel (2016)
       
     
Rubber Coated Steel (2016)

Lawrence Abu Hamdan

Born 1985

Lives and works in Beirut, Lebanon

Rubber Coated Steel (2016)
Installation with video, 21'49"
Courtesy of the artist
Commissioned by Portikus, Frankfurt

Lawrence Abu Hamdan is an artist and audio investigator interested in sound and its intersection with politics. His audio investigations have been used as evidence at the UK Asylum and Immigration Tribunal and as advocacy for organisations such as Amnesty International and Defence for Children International. His forensic audio investigations are conducted as part of his research for Forensic Architecture at Goldsmiths College London, where he received in PhD in 2017. He is the author of the artist book [inaudible] – A Politics of Listening in 4 Acts. The recipient of the 2018 Abraaj Group art prize, Abu Hamdan has exhibited his works at notable galleries and museums including the Hammer Museum, Los Angeles (2018) and Kunsthalle St. Gallen (2015). His works are part of collections at MoMA, Guggenheim, Van AbbeMuseum, Centre Pompidou and Tate Modern.

In May 2014, Israeli soldiers shot and killed two teenagers, Nadeem Nawara and Mohamad Abu Daher in the West Bank in occupied Palestine. Through the Forensic Architecture program, the human rights organization Defence for Children International worked with Abu Hamdan to investigate the incident. The case hinged upon an audio-ballistic analysis of the recorded gunshots to determine whether the soldiers had used rubber bullets, as they asserted, or broken the law by firing live ammunition at the two unarmed teenagers.

A detailed acoustic analysis, for which Abu Hamdan used special techniques designed to visualise the sounds’ frequencies, established that they had fired live rounds, and moreover had tried to disguise these fatal shots to make them sound as if they were rubber bullets. These visualizations later became the crucial piece of evidence that was picked up by the news channel CNN and other international news agencies, forcing Israel to renounce its original denial.

The video Rubber Coated Steel (2016) is the main part of the installation Earshot commissioned by Portikus. Shot in an indoor shooting range, the piece is a staged enactment of a tribunal heard. The images presented are spectrograms: visualizations of the frequency spectrum of a given signal—in this instance, of the sounds of various projectiles. The spectrograms depict the timing, pitch and loudness of projectiles ranging from a sound grenade across a rubber bullet to live ammunition fired from an M-16 rifle. The voice over reenacts the dialogues that have happened or could have happened at the tribunal. The video does not preside over the voices of the victims but rather seeks to amplify their silence, fundamentally questioning the relationship between truth and sound and the ways in which rights are being heard today. What are the political implications of our sounds and voices? How are they heard and used for or against us? These are questions posed by Lawrence Abu Hamdan.


Rubber Coated Steel (2016) won the Tiger Short Film Award at the Rotterdam International Film Festival in 2017, and his exhibition Earshot at Portikus Frankfurt (2016) won him the 2016 Nam Jun Paik Award for new media.

لورانس أبو حمدان

مواليد ١٩٨٥

يعمل ويعيش في بيروت، لبنان

رصاص مطلي بالمطاط ٢٠١٦

عمل فيديو مركب مدته ٢١ دقيقة ٤٩ ثانية

حقوق الملكية للفنان

بتكليف من بورتيكوس، فرانكفورت

لورانس أبو حمدان هو فنان و محقق صوتي مهتم بالصوت وتقاطعه مع السياسة. وقد استخدمت تحقيقاته الصوتية كأدلة في محكمة اللجوء والهجرة بالمملكة المتحدة كدفاع لصالح مؤسسات مثل منظمة العفو الدولية والمؤسسة الدولية للدفاع عن الأطفال. كذلك فقد قام بتحقيقاته الصوتية الجنائية كجزء من أبحاثه لوكالة الأبحاث المستقلة فورنزك اركيتكتشر (Forensic Architecture) أو البنية الجنائية بكلية جولدسميث في لندن، حيث نال درجة الدكتوراه عام ٢٠١٧. وهو مؤلف الكتاب الفني (غير مسموع) - سياسات الاستماع في ٤ فصول. أبو حمدان حاصل على جائزة مجموعة الأبراج لعام ٢٠١٨، وعرض أعماله في معارض ومتاحف بارزة حول العالم، من بينها متحف هامر، لوس أنجيليس (٢٠١٨) وكونستهاله سانت جالين (٢٠١٥). وتوجد أعماله ضمن مقتنيات متحف الفن الحديث بنيويورك، ومعرض جوجنهايم بنيويورك، ومتحف فان آبي في أيندهوفن، ومركز بومبيدو في باريس وتيت مودرن في لندن

في مايو ٢٠١٤، أطلق الجنود الإسرائيليون النار على مراهقين هما نديم نوارة ومحمد أبو ظاهر في الضفة الغربية من فلسطين المحتلة فأردوهما قتيلين. ومن خلال برنامج وكالة الأبحاث المستقلة "البنية الجنائية" Forensic Architecture، عملت المنظمة الحقوقية "المؤسسة الدولية للدفاع عن الأطفال" مع أبو حمدان للتحقيق بشأن الواقعة. وكانت القضية معلقة بتحليل التسجيل الصوتي للمقذوف للرصاص الذي أطلقه الجنود الإسرائيليون، لتحديد ما إذا كان الجنود قد أطلقوا أعيرة مطاطية كما يدعي الجانب الإسرائيلي، أم أنهم خرقوا القانون وأطلقوا أعيرة نارية على المراهقين العزل

وأوضح التحليل المفصّل لأبو حمدان، والذي استخدم فيه أساليب متخصصة صممت لتحول الموجات الصوتية إلى أشكال بصرية يمكن تحليلها، أن الجنود الإسرائيليين أطلقوا أعيرة نارية، وعلاوة على ذلك حاولا إخفاء هذه الطلقات المميتة ليجعلاها تبدو كمطاطية. أصبحت تلك الأشكال البصرية للموجات الصوتية حجر الأساس في الأدلة التي استخدمتها فيما بعد قناة سي إن إن ووكالات دولية أخرى لتضغط على إسرائيل للتخلي عن إنكارها الأصلي للجريمة

يمثل العمل رصاص مطلي بالمطاط (٢٠١٦) الجزء الأساسي من عمل مركب للفنان بعنوان طلقة أذن بتكليف من معهد بورتيكوس، فرانكفورت. تم تصوير العمل في محيط تصوير داخلي، بينما يجسّد شريط الصوت أصوات مسرح محكمة خيالية، ثم تظهر الصور على هيئة أطياف: أشكال بصرية لطيف الموجة الصوتية لإشارة معينة في لحظتها، لصوت طلقات مختلفة. وتوضح تلك الأطياف الزمن والمدى وصوت الطلقة من قنبلة يدوية وعبر رصاصة مطاطية وصولاً إلى ذخيرة نارية حية من رشاش M-16. وفوق ذلك صوت لحوارات حدثت أو من الممكن أن تحدث في المحاكمة. لا تغطي المشاهد البصرية على أصوات الضحايا، ولكنها على العكس تحاول تكبير صمتهم، لتطرح أسئلة جوهرية حول العلاقة بين الحقيقة والصوت والطرق التي نسمع بها الحقيقة اليوم. ما هي التأثيرات السياسية لأصواتنا وحديثنا؟ كيف تسمع تلك الأصوات وتستخدم معنا أو ضدنا؟ هذه هي الأسئلة التي يطرحها لورانس أبو حمدان


حصل رصاص مطلي بالمطاط (٢٠١٦) على جائزة النمر للأفلام القصيرة (Tiger Short Film Award) في مهرجان روتردام السينمائي الدولي عام ٢٠١٧، كما حصل معرضه طلقة أذن (٢٠١٦)  في معهد بورتيكوس، فرانكفورت على جائزة نام جون بايك لوسائل الإعلام الجديدة

Raqeeb wa-’Ateed (The Sentinels) (2019)
       
     
Raqeeb wa-’Ateed (The Sentinels) (2019)

Abdulrahman Elshahed

Born 1993

Lives and works in Jeddah, Saudi Arabia

Raqeeb wa-’Ateed (The Sentinels) (2019)

Inkjet prints on 100% cotton paper

170 x 120 cm each

Courtesy of the artist

Commissioned by the Saudi Art Council

for 21,39 (2019)

Abdulrahman Elshahed was born and raised in the holy city of Mecca, which had a significant impact on him as an artist. In addition to a BA in Architecture from the College of Engineering and Islamic Architecture at Umm Al-Qura University, Elshahed studied calligraphy at the Holy Mosque and received the highest degree of mastery in 2012. His work focuses on the spiritual geometry of Arabic calligraphy, often with an intent to stimulate dialogue on sacred meanings and religious heritage. Elshahed was awarded the International ’Ukaz Award for Arabic Calligraphy in 2011 and the International Kadasa Short Film Award in 2013.

Man lives and crosses between two worlds: the world of witness and the world of the unseen. Anything intangible experienced by man represents the world of the unseen, and anything tangible that man experiences is part of the world of witness. When man dreams or imagines, he observes something and brings it from the world of the unseen into the world of witness. Therefore, faith in the unseen is faith in the invisible. The discourses in heavenly religions stimulate the imagination in order to bring man closer to the world of the unseen. And all who believe in the unseen, believe in the Day of Reckoning.

One of the representations of the Day of Reckoning relates to the Day of Resurrection, where every human will receive in the world of the unseen a book written by two angels, Raqeeb and ‘Ateed, and which contains a record of all his deeds and every word he has uttered throughout life on earth, whether good or evil. “Raqeeb wa-’Ateed (The Sentinels)” examines the concept of the world of the unseen to the world of witness in an attempt to formulate visually the concept of writing, recording, preserving and representing. It is an attempt to imagine what this act of recording might be, this peculiar act of writing and record-keeping.

I have chosen the language and physics of writing as an artistic expression for this concept using sound utterances. The art work represents the visual dimension of ‘obour happening as a result of a continuous dialogue between the world of the unseen and the world of witness. It is an attempt to deal with the dimensions and forms of the word that is not seen, and to contribute to it by extracting the vast spaces that language makes available for expression.

عبد الرحمن الشاهد

مواليد ١٩٩٣

يعمل ويعيش في جدة، المملكة العربية السعودية

رقيب وعتيد ٢٠١٩

طباعة بنفث الحبر على ورق قطن ٪١٠٠

كل قطعة ١٢٠ x ١٧٠ سم

حقوق الملكية للفنان

بتكليف من المجلس الفني السعودي لمعرض ٢١،٣٩ ٢٠١٩

ولد وترعرع عبدالرحمن الشاهد في مكة المكرمة، وكان للمدينة تأثير عميق عليه كفنان. إلى جانب شهادة البكالوريوس في العمارة من كلية الهندسة والعمارة الإسلامية في جامعة أم القرى، درس الشاهد الخط العربي في الحرم المكي الشريف، ونال شرف الإجازة فيه عام ٢٠١٢. تركّز أعماله على الهندسة الروحانية في الخط العربي، بهدف طرح حوار حول الموروثات الدينية والمقدسة . حصل الشاهد على جائزة عكاظ الدولية للخط العربي عام ٢٠١١، وجائزة القداسة الدولية للأفلام القصيرة عام ٢٠١٣

يعيش الإنسان عابراً بين عالمين: عالم الغيب، وعالم الشهادة. وأي شيء غير محسوس يعيشه الإنسان، يمثّل عالم الغيب، بينما يمثل أي شيء حسّي ملموس عالم الشهادة. لذلك فحينما يحلم الإنسان أو يتخيّل، فهو بذلك يستشرف شيئاً ويستحضره من عالم الغيب إلى عالم الشهادة، من هنا يصبح الإيمان بالغيب هو الإيمان بغير المرئي. لذا يأتي خطاب الأديان السماوية لتفعيل الخيال الذي يقرّب للإنسان المعاني غير المرئية، حيث يؤمن جميع من يؤمنون بالغيب بيوم الحساب وتفاصيله

ومن أحد صور الحساب أن يستلم كل إنسان يوم القيامة في عالم الغيب كتاب يكتبه ملكين (رقيب وعتيد)، يحتوي على كافة الأعمال التي قام بها، وكل الكلمات التي تلفظ بها في الحياة الدنيا عالم الشهادة. ويستشرف العمل الفني المفهوم من عالم الغيب غير المرئي لعالم الشهادة المرئي، في محاولة تشكيل بصري لمفهوم الكتابة والتسجيل والحفظ والعرض، إنها محاولة لتصور فعل الكتابة والتسجيل والتدوين

لقد اخترت لغة الفيزياء في الكتابة والتعبير الفني عن هذا المفهوم، مستفيداً من خط الزمن، وترددات الصوت في العمل الفني، حيث يصور هذا العمل أبعاداً مرئية للعبور الناتج عن الحوار المتواصل بين عالمي الغيب والشهادة، في محاولة للتعاطي مع أبعاد وأشكال الكلمة غير المرئية، والمساهمة باستخراج المساحات الهائلة للتعبير التي تحملها اللغة بين طيّاتها

Raqeeb wa-’Ateed (The Sentinels) (2019)
       
     
Raqeeb wa-’Ateed (The Sentinels) (2019)

Abdulrahman Elshahed

Born 1993

Lives and works in Jeddah, Saudi Arabia

Raqeeb wa-’Ateed (The Sentinels) (2019)

Inkjet prints on 100% cotton paper

170 x 120 cm each

Courtesy of the artist

Commissioned by the Saudi Art Council

for 21,39 (2019)

عبد الرحمن الشاهد

مواليد ١٩٩٣

يعمل ويعيش في جدة، المملكة العربية السعودية


رقيب وعتيد ٢٠١٩

طباعة بنفث الحبر على ورق قطن %١٠٠

كل قطعة ١٢٠ x ١٧٠ سم

حقوق الملكية للفنان

بتكليف من المجلس الفني السعودي لمعرض ٢١،٣٩ ٢٠١٩

AL-MARS (2019)
       
     
AL-MARS (2019)

Muhannad Shono

Born 1977

Presently living and working in Berlin, Germany

AL-MARS (2019)

Etching on oxidized brass sheets, metallic components and robotic motors, 5 sets

Courtesy of the artist and Athr Gallery, Jeddah

Commissioned by the Saudi Art Council for 21,39 (2019)

Robotics programming by Prof. Manfred Hild and Simon Untergasser, Neurorobotics Research Laboratory, Berlin

Muhannad Shono is a multidisciplinary artist whose body of work comprises video, gaming, paper based illustrations, and large installations with a recurring themes ranging from questions on the evolutionary line of the human species, to religious and cultural myths dissected to understand how history impacts our behaviours and narratives. He has exhibited his works extensively in the Middle East and Europe, and is currently participating in the Künstlerhaus Bethanien residency in Berlin.

In AL-MARS, Shono imagines himself embarking on a journey to explore the new territory of the Arab state of Mars, a place whose rust-stained soil has been exploited repeatedly with the advent of techno-colonialism.

To reach the surface of this Arab state, the artist, who is not able to forge a craft of technological worth, assembles instead a set of story landers to take him there.

AL-MARS

I was younger when the landers first arrived. They ate the earth and drank the rivers dry.

I did not see them when they touched the ground. But I heard them when they tore through the sky.

My father stood in the field where one did land. He told us stories about that lander late in the night:

“It had a tail of fire as it fell to the earth. It planted itself in the soil and unfolded, with its reflective petals chasing the sun.”

My father watched the lander as it opened its eyes, spun its neck and fed from the ground.

So he fetched water for the traveler with a pouch my mother had made.

Many times I heard him say,

“Even a traveling river we offer it water to drink.”

”لو زارنا نهر لأسقيناه الماء“

Translation: “If we were to be visited by a river, we would offer it at water to drink”

He placed the pouch at the foot of the lander but its stance did not change.

So he poured the water into its mouth until the lander shivered and its skin began to stain.

“Rust coloured its mouth and began to spread across its body and limbs. It then became stiff and hulked over before my eyes. I saw it turn to iron dust.”

My father would proclaim.

The rust continued to spread. It spread to the trees and across the field. It consumed our home and the homes on the lands that neighboured our own.

Even my father, once tall like steel, was consumed with grief until he was rust.

Today I return to a land i do not know. Its soil is red with the rust of the machines that have continued to come, and the rust that has spilled from our veins.

I stood where my father once did, with a pouch of water in my fist.

I watched the skies and waited for the machines to descend, ready to welcome the thirsty landers again.

مهند شونو

مواليد ١٩٧٧

يعمل ويعيش في برلين، ألمانيا

المارس ٢٠١٩

نقش على أوراق النحاس المؤكسد، مكونات معدنية، محركات آليه، ٥ وحدات

ببرمجة الآليات: د. مانفريد هيلد وسيمون أونترجاسر من مركز أبحاث النيوروبوتكس ببرلين

حقوق ملكية العمل للفنان ولأثر جاليري، جدة

بتكليف من المجلس الفني السعودي لمعرض ٢١،٣٩ ٢٠١٩

مهند شنونو هو فنان متعدد التخصصات، تشتمل أعماله الفنية على فيديوهات، ألعاب، رسوم توضيحية بالورق، أعمال مركبة ضخمة ذات موضوعات متكررة تتنوع بين خط التطور للنوع البشري، إلى الأساطير الثقافية التي تطرح فهما لتأثير التاريخ على السلوك والسرديات البشرية. عرض أعماله بكثافة في الشرق الأوسط وأوروبا، وهو يعيش الآن في ضيافة إقامة فنية بكونستلرهاوس بيتانيين ببرلين (Künstlerhaus Bethanien)

في عمله المارس، يتخيل شونو نفسه يشرع في رحلة لاستكشاف "المارس" أو كوكب المريخ العربي، وهي منطقة تتلطخ رمالها ببقع من الصدأ، بعد استغلالها المتكرر بظهور الاستعمار التكنولوجي. وللوصول إلى سطح تلك الدولة العربية، يقوم الفنان، الذي يعجز عن اتقان حرفة ذات جدوى تكنولوجية، بتركيب مجموعة من زائرين قصاصين يهبطون ويصطحبونه إلى هناك



المارس


كنت صغيرا حينما هبطوا أول مرة. لقد أكلوا الأرض كلها وشربوا كل الأنهار حتى الجفاف


لم أرهم حين حطّوا على الأرض. لكنني سمعتهم حينما اخترقوا السماء


وقف أبي وسط الحقل حيث هبط أحدهم، وحكى لنا قصصا عنه متأخراً في تلك الليلة


"كان له ذيل من نار، وكأنه وقع على الأرض، زرع نفسه في التربة وانتفض، بينما كانت بتلاته العاكسة تطارد الشمس"


شاهده أبي الزائر حين فتح عينيه، ونسج عنقه وأكل من الأرض


فجاء له بالماء وكيس كانت أمي قد صنعته


سمعته مرارا يقول


“لو زارنا نهر لأسقيناه الماء"


وضع الكيس عند قدمي الزائر لكن حاله لم يتغير


فسكب الماء في فمه حتى ارتعد الزائر وظهرت البقع على جلده


قال أبي


"لقد تلون فمه بالصدأ وبدأ اللون ينتقل إلى جسده وأطرافه، حتى تيبس وهلك أمام عيني. رأيته يتحول صدءاً"


تمدد الصدأ فزحف على الشجر وعبر الحقل. وابتلع منزلنا وكل المنازل المجاورة


حتى أبي، الذي كان يوماً طويلاً كالصلب، غلبه الحزن حتى أصبح هو الآخر صدءاً


اليوم أعود للأرض التي لا أعرفها. أصبحت التربة حمراء بصدء الماكينات التي كانت دائماً تأتي، وفاض الصدأ من عروقنا


وقفت حيث وقف أبي يوماً، بكيس من الماء في قبضتي


طالعت السماء وانتظرت الماكينات لتهبط، مستعداً للترحيب بزائرين عطشى من جديد

Mount of Mercy (2012)
       
     
Mount of Mercy (2012)

Ajlan Gharem

Born in 1985

Lives and works in Riyadh, Saudi Arabia

Mount of Mercy (2012)

Installation with Polaroid photographs, found objects, sizes variable

Videos, 3:47 and 2:40 minutes

Born and raised in the conservative southern city of Khamis Mushayt in Saudi Arabia, Ajlan Gharem received his undergraduate degree in mathematics from the King Khalid University. Applying his analytical skills to his diverse artistic styles, he has developed a multidisciplinary practice exploring Saudi society through art. He is specifically interested in Saudi culture and seeks to understand and dissect how Saudis express themselves through their culture. Gharem’s works focus on the individual’s power and the capacity of this generation to bring about change.

Ajlan Gharem’s Polaroid picture installation and video Mount of Mercy is part of a larger series of the same name, in which the artist displayed photographs, hidden letters and personal objects left behind by pilgrims on Mount Arafat, a hill east of Mecca, during the annual Hajj pilgrimage.


Visitors to Mount Arafat will see hundreds of photographs strewn on the ground or hidden among the rocks, some with messages of supplication written on the reverse, some taken during the Hajjitself, others clearly brought from abroad to be left here. These remnants are regularly collected and disposed of. In preserving the deposited objects, Ajlan documents this little talked-about phenomenon and expands it into a depiction of collective faith.

عجلان غارم

مواليد ١٩٨٥

يعمل ويعيش في الرياض، المملكة العربية السعودية

جبل الرحمة ٢٠١٢

عمل مركب باستخدام صور البولارويد وأدوات عثر عليها بأبعاد مختلفة

فيديوهات: مدتها ٣ دقيقة ٤٧ ثانية و ٢ دقيقة ٤٠ ثانية

ولد عجلان غارم وتربى في أحضان مدينة خميس مشيط الجنوبية المحافظة، ثم أتم دراسته الجامعية في مجال الرياضيات بجامعة الملك خالد. تمكن غارم، باستخدام مهاراته التحليلية، من تطوير ممارسة متعددة التخصصات لاستكشاف المجتمع السعودي من خلال الفن. فهو مهتم بالثقافة السعودية تحديداً، ويسعى لفهم وشرح كيف يعبر السعوديون عن أنفسهم من خلال ثقافتهم. تركّز أعمال غارم على القوة الفردية وقدرة جيله على إحداث التغيير

ينتمي عمل غارم المركب الذي يتكون من صور بولارويد وفيديو جبل الرحمة إلى مجموعة أعمال أكبر تحمل نفس الإسم، يعرض من خلالها الفنان صوراً، ورسائل مخبأة، وأدوات شخصية تركها الحجاج خلفهم على جبل عرفات، الواقع شرقي مكة، أثناء موسم الحج السنوي

يمكن لزوار الجبل أن يروا مئات الصور ملقاة على أرض الجبل أو مختبأة بين صخوره، يحمل بعضها أدعية مكتوبة خلف الصورة، وبعضها التقط أثناء الحج، وصور من أماكن أخرى من العالم وتركها أصحابها هنا والتي يتم إتلافها. في المقابل يحاول عجلان غارم توثيق وإلقاء الضوء على هذا الواقع البسيط المنسيّ، مجسّدا حالة الإيمان الجمعي

Mount of Mercy (2012)
       
     
Mount of Mercy (2012)

Ajlan Gharem

Born in 1985

Lives and works in Riyadh, Saudi Arabia

Mount of Mercy (2012)

Installation with Polaroid photographs, found objects, sizes variable

Videos, 3:47 and 2:40 minutes

عجلان غارم

مواليد ١٩٨٥

يعمل ويعيش في الرياض، المملكة العربية السعودية

جبل الرحمة ٢٠١٢

عمل مركب باستخدام صور البولارويد وأدوات عثر عليها بأبعاد مختلفة

فيديوهات: مدتها ٣ دقيقة ٤٧ ثانية و ٢ دقيقة ٤٠ ثانية

Mount of Mercy (2012)
       
     
Mount of Mercy (2012)

Ajlan Gharem

Born in 1985

Lives and works in Riyadh, Saudi Arabia

Mount of Mercy (2012)

Installation with Polaroid photographs, found objects, sizes variable

Videos, 3:47 and 2:40 minutes

عجلان غارم

مواليد ١٩٨٥

يعمل ويعيش في الرياض، المملكة العربية السعودية

جبل الرحمة ٢٠١٢

عمل مركب باستخدام صور البولارويد وأدوات عثر عليها بأبعاد مختلفة

فيديوهات: مدتها ٣ دقيقة ٤٧ ثانية و ٢ دقيقة ٤٠ ثانية

Urban Flow (2007-2018)
       
     
Urban Flow (2007-2018)

Adam Magyar

Born 1972 in Debrecen, Hungary

Lives and works in Berlin, Germany

Urban Flow (2007-2018)

Pigment prints on paper

248 x 34 cm each

Urban Flow #211 (Rome, 2007)

Urban Flow #915 (London, 2008)

Urban Flow #1075 (London, 2008)

Urban Flow #1506 (New York, 2009)

Urban Flow #1821 (New Delhi, 2018)

Urban Flow #1824 (New Delhi, 2018)

Adam Magyar is a Berlin-based Hungarian photographer and video artist captivated by high-tech cities. He builds, reinvents and adapts devices, such as industrial machine-vision cameras, to produce images that reflect his unique and personal vision. His process is a symbiosis between technology and creative instinct, with the complex technical preparations for his work that can take months or years to realize.

Magyar’s works depict life in the urban environment. He is fascinated by the flow of time in the endless stream of lives in the world’s biggest mega-cities. Capturing the different parts of a person or of a group of people at different times in one single image is a large part of his practice and obsession. With each of his series, Magyar observes time flowing by and life pulsating in front of his eyes. He scrutinizes the transience of life and man’s inherent urge to leave some trace behind.

Urban Flow depicts the flow of people in major metropolises around the world. In this series, Magyar embarks on a study of the endless stream of time, analyzing the rhythm of cities and their environment. The outcome is an abstract transformation of reality.


The unusual fact that everyone in the image is heading in the same direction is the result of the image-making process. The camera captures only a thin vertical line of images with a one-pixel-wide sensor, and the final image is constructed from tens of thousands of these as they are ordered next to each other. Thus, it is not the direction of passing by the camera, but exclusively time passing by that matters. In this drift of city life, people randomly passing by are bound into a single flow of people heading in one direction. The technique used for Urban Flow is similar with that of photo-finish cameras used in the Olympic Games. Here, everyone is of equal rank and value, irrespective of whether they are at the “beginning” or the “end” of the image. Making these images involves constant data collection of life in everyday moments. His images depicts time flowing by relentlessly, like our own life spans.

آدم مجيار

مواليد ١٩٧٢

يعمل ويعيش في برلين، ألمانيا

التدفق الحضاري ٢٠١٨ - ٢٠٠٧

طباعة بالصبغة على ورق

كل قطعة ٣٤ في ٢٤٨ سم

التدفق الحضاري #٢١١ روما، ٢٠٠٧

التدفق الحضاري #٩١٥ لندن،٢٠٠٨

التدفق الحضاري #١٠٧٥ لندن، ٢٠٠٨

التدفق الحضاري #١٥٠٦ نيويورك، ٢٠٠٩

التدفق الحضاري #١٨٢١ نيودلهي، ٢٠١٨

التدفق الحضاري #١٨٢٤ نيودلهي، ٢٠١٨

آدم مجيار هو مصور فوتوغرافي وفنان فيديو مجري يعيش في برلين، يهتم بالمدن ذات التكنولوجيا الفائقة. يبني، ويعيد اختراع، ويحوّل أجهزة مثل الكاميرات المخصصة لمراقبة الماكينات، حتى تنتج صوراً فوتوغرافية تعكس رؤيته الشخصية الفريدة، حيث تتمازج في عملياته الإبداعية التكنولوجيا والغريزة الإبداعية، مع الإعدادات التقنية المعقدة لأعماله والتي يمكن أن تمتد إلى أشهر، وربما إلى سنوات لاكتمالها

تعرض أعمال مجيار الحياة في البيئة العمرانية، فدائماً ما يأسره تدفق الزمن في تيار حياة البشر في أكبر المدن حول العالم. وتشغل فكرة اقتناص أجزاء مختلفة من حياة شخص أو مجموعة من البشر في أزمنة مختلفة، في صورة واحدة، جزءاً كبيراً من اهتمامه وممارسته الفنية. حيث يراقب مجيار تدفق الزمن ونبض الحياة أمام عينيه، مع كل مجموعة من مجموعاته، بينما يدقّق في سرعة زوال الحياة ورغبة الإنسان الكامنة في ترك أثر ورائه

يصوّر التدفق الحضاري تدفق البشر في إحدى المدن الكبرى حول العالم. وفي تلك المجموعة، يبدأ مجيار دراسة التيار اللانهائي للزمن، محللا إيقاع المدن وبيئتها، ليصبح الناتج تحولاً تجريديا للواقع


يحقق مجيار الفكرة غير الاعتيادية لتوجه نظرة جميع الموجودين في الصورة في اتجاه واحد عن طريق عملية صناعة الصورة. حيث تلتقط الكاميرا خطاً رأسياً رفيعاً من الصور بجهاز استشعار نطاقه واحد بيكسل، بينما تتكون الصورة الأخيرة من عشرات الآلاف من تلك الصور التي يتم ترتيبها بجانب بعضها البعض. لذلك فليس المهم هو اتجاه العبور أمام الكاميرا، وإنما المهم حصرياً هو زمن العبور. وفي الانجراف داخل حياة المدينة، يتجمع العابرون العشوائيون في تيار واحد لمجموعة من البشر يتوجهون وجهة واحدة. ويستخدم ذلك الأسلوب في التدفق الحضاري، ويشبه أسلوب كاميرات السرعة المستخدمة في الألعاب الأوليمبية. هنا يتشابه الجميع في الرتبة والقيمة، بصرف النظر عما إذا كان في "بداية" أو في "نهاية" الصورة، ويتطلب صناعة هذه الصور بيانات مستمرة عن لحظات الحياة اليومية، حيث تجسد تلك الصور الزمن العابر بلا شفقة، تماماً كما تمضي حياتنا الشخصية

Sukoon (2019)
       
     
Sukoon (2019)

Nesreen Bakheet

Born 1982

Lives and works in Jeddah, Saudi Arabia

Sukoon (2019)

Ceramics and enamel paint

3.4 x 120 cm

Courtesy of the artist

Commissioned by the Saudi Art Council

for 21,39 (2019)

Nesreen Bakheet is a visual artist and educator based in Jeddah. After receiving her BA in Islamic Arts Education from King Abdulaziz University in 2005, she went on to earn an MA in Fine Art specializing in ceramics from Howard University in Washington, DC in 2013. Bakheet’s works often address her identity as a Muslim Arab artist and deal with her belief that despite the dynamics of identity politics and their varying significance from one person to another, identity as a concept understands constants that cannot be denied. She currently teaches at the College of Art and Design at Jeddah University.

Bakheet’s ceramics work Sukoon is an installation consisting of 30 sculptures arranged in a straight line and equidistant. The repetition of the identical pieces lend the installation a sense of poise and rhythm, while simultaneously evoking a sense of stillness and tranquility. It is this tranquility that the artist seeks to reach, emphasizing the obour one undertakes to find a place of inner peace and clarity.

Sukoon is a tight, hollow circle- a letter emptied of any and all movement. As we move in bigger circles to pass through to a new stage, we encounter a phase of stillness and calm, and we think. That stillness is an internal crossover that we go through to reach the deepest recesses of our souls in search for ourselves and our inner homeland.

نسرين بخيت

مواليد ١٩٨٢

تعمل وتعيش في جدة، المملكة العربية السعودية

سكون ٢٠١٩

خزف وطلاء زجاجي

١٢٠ في ٣.٤ سم

حقوق الملكية للفنان

بتكليف من المجلس الفني السعودي لمعرض ٢١،٣٩ ٢٠١٩

نسرين بخيت هي فنانة بصرية ومعلمة تعيش في جدة. بعد حصولها على درجة البكالوريوس في الفنون الجميلة بالتخصص في تدريس الفنون الإسلامية من جامعة الملك عبد العزيز في جدة عام ٢٠٠٥، حصلت على درجة الماجستير في الفنون الجميلة متخصصة في فنون الفخار عام ٢٠١٣من جامعة هاورد في واشنطن بالولايات المتحدة الأمريكية. وكثيراً ما تناقش أعمال بخيت هويتها كفنانة مسلمة عربية، وتتعاطى مع إيمانها بأن بصرف النظر عن ديناميات سياسات الهوية وأهميتها المختلفة من شخص لآخر فإن الهوية كمفهوم تستوعب المسلمات التي لا يمكن التنصّل منها. وتعمل الآن أستاذاً محاضراً في كلية التصاميم والفنون بجامعة جدة

يتكون عمل بخيت المركب سكون من ٣٠ منحوتة مرتبة في خط مستقيم على مسافات متساوية، ويمنح التكرار المنتظم للقطع المتشابهة إحساس الاتزان والإيقاع، بينما يستحضر في الوقت نفسه إحساس السكون والهدوء. إنه ذات الهدوء الذي تسعى الفنانة للوصول إليه، ممارسةً فعل العبور كي تصل إلى حيث السلام الداخلي والوضوح

"إن السكون دائرة ضيّقة مفرغة تفرّغ الحرف من الحركة، وحينما نتحرك في دوائر أوسع عابرين مرحلة ما، فإننا نمر بحالة السكون.. لنهدأ، ونفكر. فالسكون هو ذلك العبور الداخلي الذي نرحل به إلى أعماق أرواحنا بحثا عن ذاتنا، ووطننا الداخلي"

Provision for a Time (2019)
       
     
Provision for a Time (2019)

Khalid Zahid

Born 1979

Lives and works in Jeddah, Saudi Arabia

Provision for a Time (2019)

Plastic, metal, wood, LED lights

50 m

Courtesy of the artist

Commissioned by the Saudi Art Council

for 21,39 (2019)

Khalid Zahid is a Saudi artist born in London, UK. Interested in social issues, his works explore the contradiction between Saudi culture globally and the permanence of Saudi heritage, perceived by many as society’s strength. He has depicted the advantages and positivity brought on by this paradox, first through pop art and later through the use of expressive objects and photography. He has participated in twenty group exhibitions in numerous cities throughout Saudi Arabia as well as the Gulf region, including Dubai, Kuwait and Bahrain.

Provision for a Time is reflective of the highly symbolic path taken both in life and on Judgment Day. In this piece, Zahid uses Islamic imagery to take the viewer on a rollercoaster ride through the ups and downs of human life, bringing to the fore all the positives and negatives that impact our experience in this world. For Zahid, the movement through life is never a straight line. We commit both good and bad deeds, and experience happiness and sadness. Each of these deeds and experiences are what makes a human life complete. His likening of the journey of life with that of a rollercoaster ride reflects the highs and lows, moments of anticipation, dread, elation and plummeting that we experience, all in quick succession.

The concept of this artwork reenacts the notion of the soul and how it transverses through life. Provision for a Time represents the choices of life and their effect on the astral body or the non-physical universe. A rollercoaster is a ride that takes us from point A back to point A-- a constant loop that never finds a conclusion, similar to the human form, which, without a designated destination, goes from soil to soil.


The ride itself is the very representation of the deeds of human beings, with the loops and descents reflecting our decisions, deeds and intentions. These intentions are intertwined, similarly to the track, resemble our paths in life: unconventional and sporadic. In turn, these paths take us on journeys to other worlds, the heavens, the astrological spheres and other imaginal landscapes. The lights in the installation act as a metaphor for life’s temptations and how it decorates the vices that we consume, serving as the illumination to the ultimate reality of right versus wrong. Provision for a Time represents the choices we have in life and the metaphorical meanings behind these choices.

خالد زاهد

مواليد ١٩٧٩

يعمل ويعيش في جدة، المملكة العربية السعودية

متاع إلى حين ٢٠١٩

بلاستيك، معدن، خشب، لمبات LED

٥٠ متر

بتكليف من المجلس الفني السعودي لمعرض٢١،٣٩ ٢٠١٩

خالد زاهد هو فنان سعودي ولد في لندن، المملكة المتحدة. وهو مهتم بالقضايا الاجتماعية السعودية، حيث تستعرض أعماله التناقض بين الثقافة السعودية من منظور عالمي، واستدامة التراث السعودي، الذي يستمد منه المجتمع قوته، حيث يجسّد زاهد الميزات والإيجابيات التي يسببها هذا التناقض من خلال فن البوب آرت ثم من خلال استخدام الأدوات التعبيرية والتصوير الفوتوغرافي. وقد شارك زاهد في أكثر من عشرين معرض جماعي في مدن كثيرة داخل المملكة العربية السعودية ومنطقة الخليج بما في ذلك دبي والكويت والبحرين

متاع إلى حين هو انعكاس لطريق رمزي نعبر منه في الحياة، وفي يوم الحساب. في هذا العمل يستخدم زاهد صوراً إسلامية ليأخذ المشاهد عبر رحلة في عربة ملاهي "الأفعوانية" عبر القمم والعثرات التي يمر بها الإنسان في حياته الشخصية، ليأتي في مقدمة الصورة كل الإيجابيات والسلبيات التي تؤثر على تجربتنا في هذا العالم. ووفقاً للفنان، فإن لعبور خلال الحياة لم يكن يوماً خطاً مستقيمًا، فنقوم بالصالحات ونقترف السيئات، ونجتاز تجارب سعيدة وأخرى حزينة، وبكل تلك الأعمال والتجارب إنما تكتمل حياة الإنسان. ويعكس تشبيه الفنان الحياة بأفعوانية الملاهي ذلك الصعود والهبوط، ولحظات الترقب، والفزع، والغبطة ثم الانهيار التي نمرّ بها في متتالية سريعة، تماما كما يحدث في الصراط الذي يعبر عليه كل إنسان يوم الحساب

يطرح العمل مفهوم الروح، وكيف تعبر خلال حياة الإنسان، حيث يجسّد متاع إلى حين اختيارات الحياة وكيفية تأثيرها على الجسم النجمي، الكون غير الفيزيائي. فالأفعوانية، والرحلة التي نجتازها من النقطة "أ" إلى النقطة "أ" هي دائرة مستمرة لا تصل إلى استنتاج، وتشبه نمط الحياة، الذي لا يحمل وجهة معينة، من التراب إلى التراب

بينما تشبه الرحلة أعمالنا بشكل كبير، فالدوران والهبوط هو ما يخلق قراراتنا ونوايانا، وهو ما نضعه على هذه الأرض وكيف ينعكس علينا. وتتشابك النوايا كما تتشابك الطرق في الأفعوانية، وكما تتشابك مسالكنا في الحياة متفرقة وغير تقليدية. تعبر تلك الطرق إلى عوالم أخرى، جنان، مجالات فلكية ومشاهد أخرى، في الوقت الذي تلعب فيه الأضواء دور الفتن التي تزيّن الرذائل التي قد نقترفها. أما النور فيلعب دور الضوء الذي يضيء الحقيقة فنعرف الصواب من الخطأ، ونعرف الخيارات في الحياة، والمعاني المختبأة وراء تلك الخيارات

RE- (2019)
       
     
RE- (2019)

Nora Almazrooa

Born 1981

Lives and works in Jeddah, Saudi Arabia

RE- (2019)

Installation with 22 ceramic objects, porcelain, decal and metallic luster

22 x 12.5 x 8 cm each

Nora Almazrooa grew up between Saudi Arabia and Spain. She holds a BA in Islamic Art Education from the King Abdullah University, Jeddah, and a Master’s degree in ceramics from Cardiff School of Art and Design, UK. Living between two countries and studying at a third opened her eyes to alternative definitions of beauty that contradicted what she had inherited and learned throughout her life. Almazrooa has exhibited her works in Saudi Arabia, Wales, and Italy at the Edge of Arabia exhibition at the 2013 Venice Biennale. She was awarded the Lorenzo di Medici Award for her 2015 participation at the International Biennale for Contemporary Art in Florence, Italy. She is currently a lecturer at the College of Art and Design at Jeddah University.


RE- is an installation consisting of 22 sickness bags, fashioned from porcelain and mimicking those paper bags found on airplanes. For Almazrooa, this familiar and common object that we see on airplanes represents for her the ways in which personal, and potentially loud, uncomfortable, aggressive or painful reactions are expected to be subdued and silenced in social settings. It symbolizes perfectly the events in society that we are prohibited from reacting to as we need to, thus being forced to carry out our reactions silently. Almazrooa considers RE- a satirical commentary, seeing the moment of having to deal with these incidents as being moments of a crossover, from an inner need to enunciate and verbalize, to an inherited behaviour of subduing and silent turning toward the self. Each of the 22 sickness bags is hand sculpted by Almazrooa, displaying a distinctive character.

نورة المزروع

مواليد ١٩٨١

تعمل وتعيش في جدة، المملكة العربية السعودية

إعادة ٢٠١٩

عمل مركب يحتوي على ٢٢ مجسم خزف، بورسلان، ديكال و بريق معدني.

كل مجسم ٢٢ x ١٢.٥ x ٨ سم

نشأت نورة المزروع بين المملكة العربية السعودية و أسبانيا، في بلدين ذوا طبيعتين ثقافتين مختلفتين بالكلية.وهي حاصلة على بكالوريوس في الفنون الإسلامية من جامعة الملك عبد العزيز بجدة. و ماجستير الخزف من جامعة كاردف للفن و التصميم بالمملكة المتحدة، حيث أتاحت لها الحياة في بلدين والدراسة في بلد ثالث فرصة التعرف على مفاهيم أخرى للجمال قد تتباين مع موروثاتها و تجاربها الحياتية. عرضت المزروع أعمالها في المملكة العربية السعودية، وبمقاطعة ويلز، وبإيطاليا في معارض مثل "جذر" بتنظيم من "حافة الصحراء"ببينالي فينيسيا عام ٢٠١٣. كما حصلت على جائزة لورينزو دي ميديتشي عام ٢٠١٥ لمشاركتها بالبينالي الدولي للفن المعاصر بفلورنس بايطاليا. تعمل الان أستاذاً محاضراً بجامعة جدة

إعادة هو عمل مركب يشتمل على ٢٢ كيساَ لدوار السفر من البورسلان. بالنسبة للمزروع يمثل كيس المهملات عنصر نراه دائماَ على متن كل رحلة. وهي دعوة لموازنة ردود أفعالنا السلبية تجاه أحداث ومجريات الحياة، والتي قد تكون مرتفعة الصوت، أو عدائية وينبغي، بل يتوجب علينا أن نتجاوزها في صمت. وتعتبر المزروع إعادة هو تعليق ساخر على اللحظة التي يتعين علينا فيها أن نمر على تلك الأحداث مرور الكرام سواء من جانب ما يجب علينا التعبير عنه أو من جانب السلوك الموروث في الصمت أمام الذات. تم بناء كل كيس أو مجسم بشكل فردي ليحمل كل واحد سماته خاصة بها

RE- (2019)
       
     
RE- (2019)

Nora Almazrooa

Born 1981

Lives and works in Jeddah, Saudi Arabia

RE- (2019)

Installation with 22 ceramic objects, porcelain, decal and metallic luster

22 x 12.5 x 8 cm each

نورة المزروع

مواليد ١٩٨١

تعمل وتعيش في جدة، المملكة العربية السعودية

إعادة ٢٠١٩

عمل مركب يحتوي على ٢٢ مجسم خزف، بورسلان، ديكال و بريق معدني.

كل مجسم ٢٢ x ١٢.٥ x ٨ سم

Step (2018)
       
     
Step (2018)

Enas Alneami

Born 1989

Lives and works in Abha, Saudi Arabia

Step (2018)

Acrylic on canvas

2 x 2 m

Enas Alneami is interested in creating visual dialogues that allow her to pose questions around themes surrounding traditions, customs and self-perception, as well as wider questions of universal and existential nature. She graduated from the Department of Home Economics at King Khalid University in Abha, and is currently pursuing her Master’s degree in Islamic Art from the King Abdulaziz University, Jeddah in 2015.

Step is a visual representation of a traditional dance native to southern Saudi Arabia called khatwa. The khatwa, literally meaning “step,”is usually performed by a collective of girls and women as an expression of joy. Holding within itself concepts of unison and rhythm through the harmonious choreography performed by the female dancers, the khatwa reflects many of the social values that connect together southern Saudi Arabian societies, who are known for their distinctive communal spirit and values.


Aiming to create an imprint of the rhythm, flow and movement of the khatwa, the artist created Step by dipping her feet in paint and performing the khatwa, once on her own, and once with a partner, on top of the canvas. The result is a buzzing circular shape vibrating with energy. Alneami considers the khatwa as characterized by symbolic and emblematic elements, which can be seen as a figurative language and means of communication, offering a visual representation of the various stages of a human being’s search for himself. For her, the step is a form of obour that humans undertake in search for the self and for existence, and in order to reach a stage of discovery and faith. Its rotation is like an infinite vision, and humans, in their quest for research and reflection, find that while the itself journey never ends, the quest does end with life.

إيناس النعمي

مواليد ١٩٨٩

تعمل وتعيش في أبها، المملكة العربية السعودية

خطوة ٢٠١٨

ألوان أكريليك على قماش

٢٠٠ في ٢٠٠ سم

تهتم إيناس النعمي بالحوار البصري الذي يمكنها من طرح أسئلة حول قضايا العادات والتقاليد ونظرة الفرد لنفسه، وكذلك القضايا المتعلقة بالكون والطبيعة الوجودية. تخرجت من قسم الاقتصاد المنزلي بجامعة الملك خالد بأبها، وهي حالياً تدرس الفنون الإسلامية للحصول على درجة الماجستير من جامعة الملك عبد العزيز بجدة

يعبّر عمل خطوة عن الرقصة التقليدية الجنوبية "الخطوة"، وهي رقصة جماعية نسائية تعبّر عن الفرحة، بينما تحمل في طياتها مفاهيم الوحدة والإيقاع من خلال الأداء الجماعي المنسجم والمتناغم بين السيدات، ما يعكس الكثير من القيم الاجتماعية التي تؤكد على روح الجماعة والترابط اللذان يميزان المجتمع الجنوبي


وبهدف خلق تعبير بصري عن الإيقاع وتدفق حركته في خطوة، حققت الفنانة ذلك من خلال غمس قدميها في الألوان وأداء رقصة الخطوة، مرة بمفردها، والمرة الأخرى مع شريكة على قماش اللوحة. فكانت النتيجة شكل دائري مفعم بالطاقة، نكاد نستمع إلى صوت حركته. ترى النعمي أن خطوة يحمل سمات دلالية ورمزية، تعبّر عن مراحل بحث الإنسان عن ذاته، وأن الخطوة هي نمط من أنماط العبور الذي يخوضه الإنسان بحثاً عن الذات والوجود، حتى يصل إلى مرحلة الاكتشاف والإيمان. والدوران هو رؤية لانهائية، بينما يبدو سعي الإنسان من خلال البحث والتفكر للوصول إلى الذات والوجود لانهائياً، ينتهي فقط بنهاية الحياة

Novel of Youth (2019)
       
     
Novel of Youth (2019)

Charlotte Spiegelfeld

Born 1994

Lives and works in Berlin, Germany

Novel of Youth (2019)

34 inkjet prints on Hahnemühle Baryta paper

Various sizes

Born in Vienna, Austria, Charlotte Spiegelfeld was raised in the countryside of the Pannonian Basin in eastern Austria, close to the Hungarian border. Working predominantly with analogue film, her practice is centered on the theme of group portraits, reflecting her interest in groups such as siblings, adolescents and women. A recent graduate of the Lette Verein in Berlin specializing in photography, she has exhibited her photographs around Germany and in Spain.

Novel of Youth (2018) is a series of self-staged photographs that recount stories of the artist’s home region near the Austro-Hungarian border in Burgenland, Austria. Behind the seemingly tranquil landscapes lie loaded narratives of fear, loss and change of environment.

Throughout the second half of the 20th century, the towns on Western Europe’s borders have seen a recurring influx of immigrants and refugees escaping war and conflict to settle there. These conflicts include the Hungarian Revolution of October 1956, crushed by the Soviet army, the civil war in former Yugoslavia in 1992, as well as other conflicts in the Middle East that have been taking place for many years. Contemplating these events, Spiegelfeld becomes aware of processes and politics that seem to have been repeating themselves over the last decades. Novel of Youth is the artist’s attempt to look into the meaning of country borders and the environment surrounding them, as seen from a young adult’s perspective growing up. Her curiosity about the views of local residents—some of them also former refugees— in the context of the political situation in Austria and Hungary, led her to interview border supervision workers including police and army personnel, as well as workers commuting daily from Hungary to Austria. In light of the closing of Austria’s borders in 2016 after twelve years of remaining open, Spiegelfeld’s project attempts to showcase western European polarization of opinions regarding refugees and their place in Europe.

Heavily influenced by the death of her father in 2016, Spiegelfeld began a journey to examine her innermost fears and doubts, interpreting her dreams photographically. The artist views this project as a posing of questions that she would have asked her father, but which she now endeavours to answer herself through her photographs, taking Novel of Youth as the first chapter of what she considers to be her life project.

شارلوت شبيغلفيلد

مواليد ١٩٩٤

تعمل وتعيش في برلين، ألمانيا

رواية الشباب ٢٠١٨

٣٤ صورة مطبوعة بالحبر النافث على ورق هاهنمولة باريتا

الأبعاد متنوعة

ولدت في فيينا بالنمسا، وتربت في ريف حوض بانونيا شرقي النمسا، بالقرب من الحدود المجرية. وبينما تتركز معظم أعمالها في مجال التصوير التماثلي، تميل إلى التقاط البورتريهات الجماعية، ما يفسر اهتمامها بالمجموعات داخل المجتمع مثل الأقارب والمراهقين والنساء. تخرجت حديثاً من المؤسسة التربوية الألمانية للفنون التطبيقية ليتي فيراين ببرلين، متخصصة في التصوير، حيث عرضت صورها الفوتوغرافية في أماكن متفرقة بألمانيا وإسبانيا

رواية الشباب(٢٠١٨) هي مجموعة من الصور التي رتبتها الفنانة تعيد سرد حكايات تعود إلى مسقط رأسها في المنطقة الحدودية بين النمسا والمجر في منطقة بورجين لاند، النمسا. وعلى خلفية المشاهد الطبيعية التي تبدو هادئة، نلمح سرديات الخوف، والفقدان، وتغيّر البيئة

لقد شهدت القرى الحدودية من أوروبا الغربية، خلال النصف الثاني من القرن العشرين، موجة من المهاجرين واللاجئين الهاربين من الحروب والصراعات للاستقرار هناك. وتتضمن تلك الصراعات الثورة المجرية التي اندلعت في أكتوبر ١٩٥٦، والتي قمعها الجيش السوفيتي، والحرب الأهلية في يوغوسلافيا السابقة عام ١٩٩٢، والحرب في سوريا وكذلك الصراعات الأخرى التي تحدث في الشرق الأوسط. وبالتأمل في تلك الأحداث، أصبحت شبيغلفيلد واعية للعمليات والسياسات التي تبدو وكأنها تتكرر عبر الستين عاماً الماضية. رواية الشباب هو محاولة للفنانة للنظر داخل معنى الحدود السياسية للبلاد والبيئة المحيطة بها من وجهة نظر شابة. قادها فضولها بشأن رؤية السكان المحليين - بعضهم كانوا لاجئين بدورهم يوما ماً - للبيئة المحيطة بهم، عقب تدفق اللاجئين من سوريا ومختلف أنحاء العالم وفي سياق الوضع السياسي في النمسا والمجر، قادها إلى إجراء مقابلات مع موظفي الرقابة على الحدود بما في ذلك عناصر الشرطة والجيش، وكذلك العاملين الذين يتنقلون يوميا من المجر إلى النمسا. وفي ضوء إغلاق حدود النمسا في عام ٢٠١٦ بعد أثنى عشرعاماً من فتحها، تحاول شبيغلفيلد بمشروعها عرض استقطاب الآراء المتعلقة باللاجئين ومكانهم في أوروبا الغربية


وحينما فجعت الفنانة بوفاة والدها عام ٢٠١٦، بدأت رحلتها للتعرف على مخاوفها وشكوكها الداخلية، لتعبّر عن أحلامها فوتوغرافيا. لذلك ترى شبيغلفيلد المشروع كطرح لأسئلة كان بودها أن تطرحها على والدها، لكن يتعيّن عليها الآن الرد عليها من خلال الصور، بينما تلعب رواية الشباب دور الفصل الأول مما تعتقد أنه سوف يكون مشروع حياتها

Novel of Youth (2019)
       
     
Novel of Youth (2019)

Charlotte Spiegelfeld

Born 1994

Lives and works in Berlin, Germany

Novel of Youth (2019)

34 inkjet prints on Hahnemühle Baryta paper

Various sizes

شارلوت شبيغلفيلد

مواليد ١٩٩٤

تعمل وتعيش في برلين، ألمانيا

رواية الشباب ٢٠١٨

٣٤ صورة مطبوعة بالحبر النافث على ورق هاهنمولة باريتا

الأبعاد متنوعة

Twelve PM Class (2019)
       
     
Twelve PM Class (2019)

Ali Cha’aban

Born 1988

Lives and works in Jeddah, Saudi Arabia

Twelve PM Class (2019)

Carpet and plywood, 3 units

350 x 100 cm; 350 x 120 cm; 170 cm circumference

Ali Cha’aban is a Lebanese artist born and raised in Kuwait. With a background in anthropology, his works often reflect his observations of culture and traditions. Cha’aban’s work revolves around the notion of nostalgia, tackling socio-political issues such as Arab identity and the state of dystopia. Cha’aban believes that it in art, one finds a common language that expresses what is seen but never told. He has exhibited with galleries including Ayyam in Jeddah, Mark Hachem in Beirut, and Galerie Nikki Diana Marquadt in Paris. He is currently represented by Hafez Gallery, Jeddah.

Twelve PM Class is an installation piece composed of three carpets folded like paper planes. The first is a perfectly shaped plane ready to fly; the second is a plane with a broken nose that looks like it has met its demise, and the third is a crumpled paper symbolizing an idea that has been discarded. The three paper/carpet planes refer to what the artist describes as the three different stages of critical thinking. The first intact plane refers to the “perfect idea.” It is shaped in a way that allows it to move and glide effortlessly into the air. The second plane, with its flattened nose, seems to have hit a wall, symbolically and physically, and the third one has been destroyed before it could be shaped into plane – in other words, wasted potential.

With Twelve PM Class, Cha’aban aims to express the idea that while knowledge is key in life, the conceit of self-sufficiency is the enemy of humankind. The work takes reference from the Qur’an, specifically verses 1 to 7 from Surat Al-Alaq. “Read! In the Name of your Lord, who has created. He has created man from a clot. Read! And your Lord is the Most Generous. Who has taught by the pen, has taught man that which he knew not. Nay! Verily, man does transgress all bounds. Because he considers himself self-sufficient.” (Verses 1-7, Surat al-Alaq).

علي شعبان

مواليد ١٩٨٨

يعمل ويعيش في جدة، المملكة العربية السعودية

درس الساعة الثانية عشر ٢٠١٩

سجادات وخشب رقائقي، ٣ وحدات

١٠٠ في ٣٥٠ سم؛ ١٢٠ في ٣٥٠ سم؛ ومحيط ١٧٠ سم

ولد علي شعبان وترعرع في الكويت، ونظرا لخلفيته الأكاديمية في مجال الأنثروبولوجيا (علم الإنسان)، كثيراً ما تعكس أعماله ملاحظاته حول الثقافة والتقاليد. تتمحور أعمال شعبان حول مفهوم الحنين إلى الماضي أو النوستالجيا وكذلك قضايا الواقع الاجتماعي السياسي مثل الهوية العربية. يؤمن بأن الإنسان يستطيع من خلال الفن أن يجد لغة مشتركة تعبر عمّا يراه ولا يستطيع التعبير عنه. عرض أعماله في عدد من المعارض من بينها جاليري أيام في جدة، مارك هاشم في بيروت، جاليري نيكي ديانا ماركادت في باريس، وتمثله جاليري حافظ جدة

درس الثانية عشر هو عمل مركب يتكون من ثلاث سجادات مطوّعة على هيئة طائرات ورقية. تمثّل الأولى طائرة ورقية محكمة التشكيل، مستعدة للإقلاع، بينما تمثّل الثانية طائرة منبعجة الأنف، وتبدو وكأنها على وشك الانتهاء، والثالثة عبارة عن ورقة ترمز إلى الفكرة التي تم التخلي عنها. تجسّد الورقات/السجادات الثلاث ما يصفه الفنان بالمراحل الثلاث للتفكير النقدي. حيث تعبّر الطائرة الأولى عن "الفكرة المثالية"، والتي يوحي شكلها بقدرتها على الحركة والطيران دون مقاومة تذكر من الهواء. بينما تبدو الطائرة الثانية بأنفها المنبعج وكأنها قد ارتطمت لتوها بالحائط، رمزياً ونفسياً، أما الطائرة الثالثة فقد تحطمت حتى قبل أن تتشكل كطائرة.. أو بكلمات أخرى إمكانات مهدرة

يهدف شعبان من خلال درس الثانية عشر إلى التعبير عن فكرة أنه على الرغم من أن المعرفة هي حجر الأساس في الحياة، إلا أن شعور الاكتفاء الذاتي هو عدو البشرية، حيث يستقي العمل مرجعيته من الآيات ١-٧ من سورة العلق: "اقرأ باسم ربك الذي خلق، خلق الإنسان من علق، اقرأ وربك الأكرم، الذي علّم بالقلم، علم الإنسان ما لم يعلم، كلا إن الإنسان ليطغى، أن رآه استغنى"

Hanging Lights  (2019)
       
     
Hanging Lights (2019)

Saeed Gamhawi

Born 1972

Lives and works in Riyadh, Saudi Arabia

Hanging Lights (2019)

Installation with burnt wood and electric wires

6 x 4 m

Commissioned by the Saudi Art Council for 21,39 (2019)

Saeed Gamhawi was raised in the mountainous southwestern region of Al-Baha, Saudi Arabia. After receiving his degree from the Fine Arts Institute in Riyadh, he spent two and a half decades teaching art at various government schools across Saudi Arabia. While his early work adopted a surrealist style, he later transitioned to a more conceptual approach, investigating myriad topics related to his immediate surroundings. He is interested in exploring underlying and often distorted realities within the cultural, religious and social landscapes of his culture. His works often suggest the necessity of change by way of highlighting the consequences and conditions of the status quo. Gamhawi has participated in international exhibitions in Argentina and France and has had several solo shows in Saudi Arabia. His work is currently on show at the Art Museum of the University of Memphis in Tennessee, USA.

My research around the origin of darkness and light began with an inquiry into the theme of contradiction present in the visual effect of replacing a source of light with natural wooden sculptures that have been “transformed” into a source of energy, namely coal. Today,, the question renews itself, prompting my philosophical research into the dialectic of light and darkness, leading me to the opposing symbolisms around knowledge and light, or nature and industry, or stagnation and growth. My inquiry into this realm led me to the most important question, namely: is it possible that our world could be the product of obscuring light and of lighting up the darkness?

From an in impulsive point of view, man responds to his first instinct when he deals with the elements of nature with suspicion. He himself is one of the elements of nature in its magnificent biological order. But apart from the obvious utilitarian aspect of the elements of nature, the least discussed aspect here is usually the distinction between human behaviour and nature. This behaviour is guided by the return to the philosophical and perhaps human question of the origin of things, and that nature brings man to his rightful place and not the opposite, which we tend to adopt as a result of our arrogance stemming from our species’ superiority as humans.

From a social and political perspective, the symbolism of “obscuring” presents a mystery, as though it were a systemic practice of obscuring light and lighting up darkness. Media platforms in all their shapes and forms have begun using it as a weapon in contemporary times, and the distinction between obscurity and light has become the basis of our modern times’ dialectic and discourse. One might even go beyond that to say that the faculty of the modern mind is the power to distinguish between accepting contradictions as an element of the universe, and that they complete. This questioning is enhanced by Hegel’s theory, based on the original paradox in the nature of things. Hegel dismantled the old logic that was based on non-contradiction, asserting that a thing cannot, in itself, be an absolute, but that it must contain its opposite at the core of its composition. And with the existence of this contradiction in the composition of the thing, change and processes of evolution appear.

Light emanates from darkness, and darkness is the origin of light.


سعيد قمحاوي

مواليد ١٩٧٢

يعمل ويعيش في الرياض، المملكة العربية السعودية

الأضواء المعلقة ٢٠١٩

عمل تجهيز في الفراغ مع خشب محروق وأسلاك كهربائية

٤ في ٦ متر

بتكليف من المجلس الفني السعودي لمعرض ٢١،٣٩ ٢٠١٩

ترعرع سعيد قمحاوي وسط الطبيعة الجبلية لمنطقة الباحة في الجنوب الغربي من المملكة العربية السعودية. وبعد حصوله على الدرجة الأكاديمية من معهد الفنون الجميلة في الرياض، قضى عقدين ونصف العقد من الزمان يدرّس الفن في العديد من المدارس الحكومية على امتداد المملكة. وبينما تميزت أعماله الأولى بالمنهج السريالي، تحولت أعماله فيما بعد إلى مدخل يميل إلى المفاهيمية، ليطرح مواضيع تتعلق بمحيطه الآني، حيث يهتم قمحاوي باستكشاف الواقع المختبئ خلف المشاهد الثقافية والدينية والاجتماعية في مجتمعه. وكثيراً ما تقترح أعماله ضرورة تغيير أسلوب تسليط الضوء على التداعيات والظروف للواقع الراهن. شارك في عدد من المعارض العالمية في الأرجنتين وفرنسا، وكانت له عدد من المعارض الفردية في المملكة العربية السعودية. وتعرض بعض أعماله الآن في متحف الفن بجامعة ممفيس بولاية تينيسي بالولايات المتحدة الأمريكية

بدأ بحثي حول أصل العتمة والنور في البحث عن التضاد في التأثير البصري باستبدال مصدر النور باستخدام منحوتات خشبية طبيعية تم تحويلها إلى مصدر للطاقة وهو الفحم كمكون أساسي، ولكن السؤال يتجدد هنا حول مصدر الطاقة الذي يأتي من العتمة والظلام مرة اخرى إلى النور من جديد، وهنا بدأت البحث الفلسفي عن التضاد أو التبادل أو جدلية النور والظلام، والتي تقود إلى الرمزيات المتضادة حول العلم والنور أو الطبيعة والصناعة أو الركود والنمو، ويقودني التجريب في هذا البحث إلى السؤال الأكثر أهمية وهو: هل يكون عالمنا المعاصر نتيجة لتعتيم النور وتنوير العتمة ؟

من منظور فطري يستجيب الإنسان لفطرته الأولى، حينما يتعامل مع مكونات الطبيعة كهاجس، فهو واحد من عناصر الطبيعة في منظومتها الحيوية البديعة، وبصرف النظر عن البعد النفعي لمكونات الطبيعة، فإن الجانب المسكوت عنه عادةً هو ذلك التماهي بين السلوك الإنساني والطبيعة الذي يبدو في الكثير من الأحيان سلوكاً مسترشداً بالعودة إلى السؤال الفلسفي وربما الانساني في أصل بداية الاشياء، وكأن الطبيعة تستدرج الإنسان إلى مكمنه لا العكس الذي يتبناه غرورنا بالتفوق النوعي كبشر

في المنظور الاجتماعي والسياسي أصبحت رمزية التظليل تطرح لغزا للغموض، وكأنها ممارسة ممنهجة لتعتيم النور وتنوير العتمة، وبدأت منصّات الميديا بجميع أنواعها تستخدمها كسلاح معاصر، بينما أصبح التماهي بين العتمة والنور يشكل جدليات العصر الحديث وقد يتجه إلى ما هو أبعد من ذلك إلى أن يكون المكون للعقل الحديث وهو التماهي بين قبول التضاد كمكون للكون ومكمل له ويعزز هذا البحث فرضية هيغل وهو من أعظم الفلاسفة الذين ساهموا في إنشاء منطق الصيرورة الحديث، لأنه بنى نظريته على أساس أن التناقض أصيل في طبيعة الاشياء، وبهذا هدم جزءاً كبيراً من المنطق القديم الذي قام على أساس عدم التناقض، ولأن من رأيه أن الشيء لا يمكن أن يقوم بذاته كالماهية المطلقة، إنما لا بد أن يحتوي على نقيضه في صميم تكوينه، وبوجود هذا التناقض في تكوين الشيء، يظهر عليه التغيّر والصيرورة

النور نابع من العتمة والعتمة أصل للضوء

Hanging Lights  (2019)
       
     
Hanging Lights (2019)

Saeed Gamhawi

Born 1972

Lives and works in Riyadh, Saudi Arabia

Hanging Lights (2019)

Installation with burnt wood and electric wires

6 x 4 m

Commissioned by the Saudi Art Council for 21,39 (2019)

سعيد قمحاوي

مواليد ١٩٧٢

يعمل ويعيش في الرياض، المملكة العربية السعودية

الأضواء المعلقة ٢٠١٩

عمل تجهيز في الفراغ مع خشب محروق وأسلاك كهربائية

٤ في ٦ متر

بتكليف من المجلس الفني السعودي لمعرض ٢١،٣٩ ٢٠١٩

Hero (from the Series BLACKENED) (2017)
       
     
Hero (from the Series BLACKENED) (2017)

Salman Alnajem

Born 1992

Lives and works in Manama, Bahrain

Hero (from the Series BLACKENED) (2017)

Emulsion, oil paint, oil pastel, spray paint, tape, and graphite on canvas

165 x 118 cm

Hibiscus (from the series BLACKENED) (2017)

Emulsion, oil paint, oil pastel, spray-paint, tape, and graphite on canvas

165 x 118 cm

Salman Alnajem is Bahraini a painter, sculptor and designer. He received his Bachelor’s degree in Interior and Spatial Design from the University of the Arts in London, and holds in MA in Fine Art from the Royal College of Art. Alnajem is interested in the artistic process of creation, using freehand sketching to bring about subconscious thoughts and emotions into his work. Deeply convinced of the social responsibility of artists, he strives to explore existential questions around the themes of human experience, culture, materiality, religion and traditions. His works have been exhibited in Bahrain, the United Kingdom, Saudi Arabia and Italy.

For this edition of 21,39 Salman Alnajem has exhibited two dark and captivating paintings, Hero (2017) and Hibiscus (2017), from his series BLACKENED, an elegantly composed story about creation and the world. In the darkness of the mixed media paintings, viewers can discern a portal opening up, crafted so as to infiltrate the conscious realm. In the portal, two figures appear holding a checkered object resembling a cube or a hexahedron, a six-sided solid object. Suddenly, the figures appear to throw the object, tossing it to the viewer, or perhaps handing it to him, and then the portal closes. The viewer is now left to deal or decide what to do with this object.

A recurring symbol in Alnajem’s work, the cube or hexahedron is an object associated with the element of earth, symbolizing the world and everything in it. In creating the series BLACKENED, he was influenced by verse 286 from Surat Al Baqarah in the Holy Qur’an: “Allah does not charge a soul except [with that within] its capacity. It will have [the consequence of] what [good] it has gained, and it will bear [the consequence of] what [evil] it has earned.” For Alnajem, BLACKENED is an allegorical story about humankind’s responsibility toward the divine gift of life and everything it has to offer. Through this work, the artist asks himself and the viewer whether this life and responsibility is in fact a gift that has been given, or if it a curse that has been handed to humankind.

سلمان الناجم

مواليد ١٩٩٢

يعمل ويعيش في المنامة، البحرين

البطل (من سلسلة "إسودت" ٢٠١٧

طلاء مستحلب، ألوان زيت، ألوان باستيل، ألوان طلاء بالرذاذ، شريط لاصق، فحم على قماش

١١٨ في ١٦٥ سم

كركديه من سلسلة "إسودت" ٢٠١٧

طلاء مستحلب، ألوان زيت، ألوان باستيل، ألوان طلاء بالرذاذ، شريط لاصق، فحم على قماش

١١٨ في ١٦٥ سم

سلمان الناجم هو رسام ونحّات ومصمم بحريني. حصل على درجة البكالوريوس في التصميم الداخلي وتصميم المساحات من جامعة الفنون بلندن، كما حصل على درجة ماجستير الفنون من الكلية الملكية للفنون. يهتم الناجم بالعملية الفنية الإبداعية، من خلال الاسكتشات الحرة، لاستخراج الأفكار العواطف والأفكار من منطقة اللاوعي ووضعها في أعماله. ويؤمن إيماناً عميقاً بالمسؤولية المجتمعية للفنان، من خلال محاولاته استكشاف الأسئلة الوجودية المحيطة بالتجربة الإنسانية والثقافة والمادية والدين والتقاليد. عرضت أعماله في البحرين والمملكة المتحدة والمملكة العربية السعودية وإيطاليا

وللنسخة السادسة من معرض ٢١،٣٩ عرض سلمان الناجم لوحتين معتمتين وآسرتين هما "البطل" (٢٠١٧) و"كركديه" (٢٠١٧) من سلسلة أعماله بعنوان "إسودت." "إسودت" هي قصة مؤلفة بأناقة حول الإبداع والعالم. ففي ظلام اللوحتين يمكن للمشاهد أن يميّز مخرجاً، صمم بحيث يسمح للواقع الواعي أن ينفذ. وفي ذلك المخرج نرى شكلين يمثلان مربعين أو مكعبين، جسم ذو ستة أسطح صلبة. وفجأة تبدو الأجسام وكأنها تقذف بأداة، نحو المشاهد، أو ربما تسلمها له، وساعتها يغلق المخرج. وعلى المشاهد الآن أن يقرر ما عساه فاعل بهذه الأداة

يرتبط الشكل المكعب، وهو رمز متكرر عند الناجم، بعنصر من الأرض، يرمز إلى العالم وكل ما بداخله. وقد تأثر الناجم في سلسلة أعماله "إسودت" بالآية ٢٨٦ من سورة البقرة من القرآن الكريم: "لا يكلف الله نفسا إلا وسعها. لها ما كسبت وعليها ما اكتسبت". وبالنسبة للناجم، فإن"إسودت" هي القصة الاستعارية حول مسؤولية الإنسان أمام هبة الحياة الإلهية وكل ما تمنحه له هذه الحياة. حيث يتساءل الفنان، من خلال أعماله، ويسأل جمهوره ما إذا كانت هذه الحياة والمسؤولية الملقاة على عاتق الإنسانية نعمة أو نقمة للإنسان

I Was Told Ice Wouldn't Melt In Heat (2019)
       
     
I Was Told Ice Wouldn't Melt In Heat (2019)

Ahaad Alamoudi

Born 1991

Lives and works in Jeddah, Saudi Arabia

I Was Told Ice Wouldn't Melt In Heat (2019)

Video installation

5 hours

Courtesy of the artist and Athr Gallery, Jeddah

Commissioned by the Saudi Art Council for 21,39 (2019)

Ahaad Alamoudi was raised between England and Saudi Arabia, and currently lives and works in Jeddah. She is interested in asking questions around history and representation, which she has explored through research on the movement to reform the ethnography of Saudi Arabia. Her work spans photography, video and print installations in which she attempts to alter the way in which Saudi Arabia has been historically represented. She graduated from Dar Al Hekma University in Jeddah with a BA in Visual Communication in 2014 and earned an MA in Print from the Royal College of Art in 2017. Alamoudi has exhibited her work in the US and in Saudi, and is the recipient of the 2018 Crossway Foundation x Middle East Now Festival Residency in Florence.

I Was Told Ice Wouldn’t Melt In Heat is a video installation portraying a singular moment of struggle encapsulated in the futile attempt to prevent ice from melting. Alamoudi breaks up and scatters the moment itself across a multitude of images, contemplating the ensuing feeling of mourning that succeeds the loss of a form as it changes into another. In this piece, the artist strives to document and study this moment of change, where a form can be altered into its opposing form, opening questions about the existence, reality and validity of the present moment. Contemplating the motion of change, she delves into the psychology of reckoning with change, from acceptance to mourning.

عهد العمودي

مواليد ١٩٩١

تعمل وتعيش في جدة، المملكة العربية السعودية

قالولي الثلج ما حيسيح في الحرارة ٢٠١٩

عمل فيديو مركب

٥ ساعات

حقوق ملكية العمل للفنان ولأثر جاليري، جدة

بتكليف من المجلس الفني السعودي لمعرض ٢١،٣٩ ٢٠١٩

نشأت عهد العمودي بين انجلترا والمملكة العربية السعودية، وتعيش الآن وتعمل في جدة. تهتم بطرح أسئلة حول التاريخ وطرق التعبير، وهي أسئلة استكشفتها أثناء أبحاثها على حركة إصلاح وصف الأجناس البشرية (الإثنوغرافيا) في المملكة العربية السعودية. تعرض أعمالها صوراً وفيديو وأعمال مركبة بالطباعة تحاول من خلالها تعديل الصورة التي تمثّل المملكة العربية السعودية تاريخياً. تخرجت من جامعة دار الحكمة في جدة، حيث حصلت على درجة بكالوريوس الفنون في الإعلام البصري عام ٢٠١٤، ثم حصلت على درجة ماجستير الفنون في الطباعة من الكلية الملكية للفنون ببريطانيا عام ٢٠١٧. عرضت العمودي أعمالها في الولايات المتحدة الأمريكية والمملكة العربية السعودية، وهي حاصلة على استضافة الإقامة الفنية لدى مهرجان "الشرق الأوسط الآن" ومؤسسة كروس واي (Crossway Foundation) في مدينة فلورنسا عام ٢٠١٨


قالولي الثلج ما حيسيح في الحرارة هو عمل فيديو مركب يجسّد لحظة مفردة من الصراع المبطّن في محاولة مستحيلة لمنع الثلج من الذوبان. تكسر العمودي وتبعثر اللحظة نفسها عبر العديد من الصور، متأمّلة شعور الحداد الذي يتبع فقدان الشكل بينما يتحول من حالة إلى أخرى. في هذا العمل تسعى الفنانة إلى توثيق ودراسة لحظة التغيير هذه، بينما تتغير حالة المادة إلى حالة مغايرة، لتفتح باب أسئلة حول الوجود، الواقع، جدوى اللحظة الراهنة، بحيث يدفعها تأملها إلى الغوص في نفسية الاصطدام بالتغيير بين القبول والحداد

F716 (2016)
       
     
F716 (2016)

Niklas Binzberger

Born 1992

Lives and works in Berlin, Germany

F716 (2016)

Visual tracking device and directional speaker

Variable, 40 x 300 x 50 cm

Niklas Binzberger studied plastic arts at the University of the Arts in Berlin, where he was selected as a master student. Interested in questions around power dynamics and constellations, social groups, social engineering and empathy reactions, Binzerger’s works are often standalone installations that use sensors to observe the audience and the behaviours of its individuals. He has exhibited extensively in Germany and Europe, and is currently studying computational linguistics at the University of Potsdam.

In F716, an interactive sound installation, audience members enter a space fitted with a directional speaker mounted atop a tracking system with a camera. Soon after entering the space, a voice is heard, addressing a seemingly randomly selected audience member. The voice, which sounds like it is coming out of the person being addressed, asks questions: “Can you hear me?” “Are you receiving my messages?,” pausing in wait for a response. The intimate nature of the conversation being attempted by the machine is perplexing and perhaps slightly uncomfortable due to the public setting of the exhibition space, in addition to the unexpected and invasive way it takes place. Even more confusing is the fact that the sound itself seems like it is being emitted from the audience member’s own body, lending the situation an even more eerie atmosphere. Working on both an emotional and psychological level, the F716 recording mimics both the form and content of an intimate conversation one might have with a friend or a family member.


F716 opens up pertinent questions about privacy, surveillance, public space and empathy. How will each audience member addressed by the tracking device respond, and why? How are we socialized to respond to empathetic queries, and does this change when we know the source of the communication attempt is a machine? How does the public context affect our behaviour? These are all significant questions in the context of today’s world, where technology is becoming intertwined in our behaviour in ways we are not always fully aware of.

نيكلاس بينزبيرغر

مواليد ١٩٩٢

يعمل ويعيش في برلين، ألمانيا

F716 (٢٠١٦)

جهاز تتبع بالكاميرة وسماعات قابلة للتوجيه

أبعاد مختلفة، ٥٠ x ٣٠٠ x ٤٠ سم

درس نيكلاس بينزبرغر الفن التشكيلي في جامعة الفنون ببرلين، حيث تم اختياره طالباً متفوقاً. يهتم بالمسائل المتعلقة بديناميات السلطة، والهندسة الاجتماعية وردود الفعل التعاطفية، حيث تستخدم أعماله المركبة في كثير من الأحيان أجهزة استشعار لمراقبة المشاهدين وسلوك الأفراد. عرض أعماله في العديد من المعارض في ألمانيا وأوروبا، ويدرس حالياً علم اللغويات الحاسوبية في جامعة بوتسدام

F716 هو عمل صوتي مركب تفاعلي، يدخل فيه المستمعون إلى مساحة مجهزة بسماعة قابلة للتوجيه مركبة على قمة نظام تتبع مستشعر بالكاميرا، وعقب دخول مساحة العرض مباشرة، يسمع صوت وكأنه يخرج من شخص مختار بعشوائية، يوجّه إليه الخطاب: "هل تسمعني؟" "هل تصلك رسائلي؟"، ثم يتوقف الصوت انتظاراً لرد فعل. تبدو الطبيعة الحميمية للحوار الآلي مربكة، وربماً غير مريحة بسبب الجو المشاعي للمعرض، بالإضافة إلى الطريقة غير المتوقعة والهجومية لإلقاء السؤال. بل إن ما يزيد الوضع إرباكاً هو حقيقة أن الصوت نفسه يبدو وكأنه يخرج من جسم ذات الشخص الذي يوجه إليه السؤال، ليزيد ذلك من غرابة الأمر. ويسجل F716 ردود فعل الوجوه من حيث النمط والمضمون للحديث الجانبي، الذي يمكن أن يخوضه المشاهد مع صديقه أو قريبه، بحيث يتطرق العمل إلى مستويات عاطفية ونفسية


بهذا يطرح F716 أسئلة وثيقة الصلة بقضايا الخصوصية والمراقبة والأماكن العامة والتعاطف. كيف سيكون رد فعل كل مشاهد على جهاز يراقبه؟ ولماذا؟ كيف تتعاطى قدراتنا الاجتماعية مع استفسارات تعاطفية، وهل سيكون الوضع مختلفاً إذا ما أدركنا أن الطرف الذي يوجه السؤال مجرد آلة؟ كيف يؤثر السياق العام على سلوكنا؟ تلك هي الأسئلة الهامة التي تقلقنا في عالم اليوم، الذي يتشابك معه سلوكنا على نحو لا ندركه بالكامل